Interview and Inside ''Clipped Wings ''
Inside Stolenspace Gallery
Clipped Wings
on view till November 15th in London, UK
With CLIPPED WINGS, I had the opportunity to explore new directions in my practice, pushing familiar boundaries and allowing myself to venture into different visual territories.
I want to take a moment to sincerely thank everyone who visited the exhibition, supported the work, and continues to follow my artistic journey. Your support means more than you know, especially during moments of exploration and change, when stepping outside the familiar can feel both exciting and uncertain. Having the freedom to experiment, evolve, and discover new ways of expressing myself is something I never take for granted.
Below, I’ve included an interview where I share more about CLIPPED WINGS, the ideas behind the exhibition, and some of the projects and directions I’m looking forward to exploring next.
Thank you for being part of this journey.
For any questions or inquiries gallery@stolenspace.com
(FR)
Avec CLIPPED WINGS, j’ai eu l’occasion d’explorer de nouvelles avenues dans ma pratique artistique, de repousser certaines limites familières et de me permettre d’explorer de nouveaux territoires visuels.
Je tiens à prendre un moment pour remercier sincèrement toutes les personnes qui ont visité l’exposition, qui ont soutenu mon travail et qui continuent de suivre mon parcours artistique. Votre soutien compte énormément pour moi, particulièrement dans ces moments d’exploration et de changement, où sortir de sa zone de confort peut être à la fois stimulant et incertain. La liberté d’expérimenter, d’évoluer et de découvrir de nouvelles façons de m’exprimer est quelque chose que je ne tiens jamais pour acquis.
Vous trouverez ci-dessous une entrevue dans laquelle je parle plus en détail de CLIPPED WINGS, des idées derrière cette exposition ainsi que des projets et des directions artistiques que je souhaite explorer dans la suite de mon parcours.
Merci de faire partie de cette aventure.
Questions ou intéret gallery@stolenspace.com
CLIPPED WINGS — Interview
1. Your paintings bring together comic-book imagery and portraiture, creating an ongoing dialogue between fiction and reality. How do you decide which comic imagery to incorporate into each painting? Do you draw from a personal collection, and does your selection process relate to the individual portrait or something else you’re seeking to convey?
I have a drawer filled with thousands of comic books. I have always been drawn to the contradictions within them: the vulnerability hidden behind strength, the fragility of heroes, and the myths we inherit without questioning.
My choices often begin with colour, an expression, or the tension between an image and the woman beneath it. A symbol of strength might be wounded; a protector might need protection. In Clipped Wings, some of these images burn and disappear into the flames, becoming fragments of a mythology being dismantled.
I see these images as memories embedded in the skin, somewhere between fiction and reality. I am interested in what happens when the stories we grew up with begin to reveal something about who we are.
2. Dualities of freedom and restraint feel particularly present throughout Clipped Wings, from the figures in your paintings to the recurring imagery of birds. Could you talk about how these themes have developed within this body of work, and what the birds represent to you?
I have always found it deeply troubling to see birds in cages, deprived of the freedom to fly.
During my college years, I discovered Henri Cartier-Bresson’s Portrait of Henri Matisse (Vence, France). Matisse sits in a room surrounded by empty birdcages, while birds perch above them. That image profoundly affected me and influenced the trajectory of my artistic language. The birds were no longer confined; they existed beyond the structures that once held them. To me, this represented a kind of ultimate freedom.
The photograph eventually inspired the logo I created for my company, and it became an important reference for Clipped Wings.
Over the years, the Cage has evolved from a visible structure into something more internal: expectations, relationships, inherited narratives, and the images we construct of ourselves.
In this exhibition, the Cage dissolves, explodes and burns. Yet fire holds a contradiction: it liberates the women, consuming the invisible boundaries that shaped them, while threatening the birds, symbols of the freedom we long for.
I am interested in this fragile space between destruction and release. Freedom is not always gentle, and breaking free does not mean emerging untouched. Sometimes, it means learning to fly with damaged wings.
3. We love the salon-style hang in this exhibition, particularly the inclusion of sketches and bird studies, which offer a different perspective on your practice. How do these smaller framed pieces fit into your wider process, and what do they allow you to explore which might be different from your larger paintings?
The frame has always fascinated me because it can both elevate and imprison an image. It preserves something precious while establishing boundaries around it. In this sense, the frame becomes another form of the Cage.
The smaller works offer a more intimate expression of an idea. A sketch or bird study can remain a fragment, a trace, a possibility, without needing to become a fully resolved painting.
I love placing these contemporary, sometimes fragile images inside ornate antique frames. There is a contradiction in their beauty: they elevate the subject while simultaneously containing it. The image becomes something precious to be preserved, but also something confined.
In the salon-style installation, the works enter into conversation with one another, creating a larger narrative from individual fragments. The frames themselves become part of that narrative, questioning the thin line between preservation and imprisonment.
4. You’ve spoken previously about deconstructing classic narratives through your work. Beyond comic books, what other types of media have inspired that message for you, and influenced your approach to storytelling?
I am drawn to images that blur the boundaries between fiction and reality, from cinema and photography to painting, fairy tales and childhood memories. Who Framed Roger Rabbit, where cartoons and humans inhabit the same world, is one example of this collision.
I am equally fascinated by the stories hidden within ordinary images: a gesture, a photograph, or a sculpture encountered in a Paris park. Sometimes a single image can suggest an entire narrative without explaining it.
I am also interested in the stories we tell ourselves about women. We often hear that women are their own worst enemies, that we compete with one another or hold each other back. I want to explore the opposite: the beauty and strength that emerge when women lift one another up.
In my work, the hero can fall, the woman can become the protector, and the figure who once occupied the background can take centre stage. Strength no longer needs to mean standing alone.
When the world burns, we become each other’s shelter. Some storms cannot be stopped. Some wounds cannot be undone. Still, we hold on.
Perhaps strength is not the power to withstand everything, but the courage to remain tender in a world that keeps breaking us.
5. The last time you exhibited with us was in 2018, and it’s fascinating to see how your practice has evolved since then. The luminosity in this new body of work feels particularly striking, especially in the interplay of light and fire. What has shifted in your approach over the past eight years, and what feels different for you about Clipped Wings compared to your previous work?
The questions that drive my work remain, but my relationship with them has changed. The Cage has evolved from a visible structure of confinement into something more fragmented and internal: the expectations, memories and inherited stories that shape our identities.
I have become more willing to let different materials and visual languages collide, allowing the work to exist somewhere between image and object.
Fire has become central to this evolution. It illuminates, destroys and transforms. In these paintings, the flames consume the Cage around the woman, not the woman herself.
What feels different about Clipped Wings is its emotional energy. Vulnerability and pain remain, but there is also exhilaration, movement and possibility. The women are no longer simply confronting their confinement; they are beginning to imagine what lies beyond it.
I see this exhibition as another chapter in the Cage series, one in which the question shifts from how we escape to what becomes possible once the structures that defined us begin to fall apart.
6. Every new body of work brings its own challenges. Were there any particular difficulties or turning points during the development of Clipped Wings, and if so, how did these shape the direction of the work or the paintings we see in the exhibition today?
The greatest challenge was finding a way to move beyond the Cage without abandoning the visual language that has defined my practice. I didn’t want to repeat the image of a woman trapped behind a mask, nor did I want freedom to become something too simple or triumphant.
I began asking what remains when the Cage breaks apart. Do the masks disappear, or do fragments stay with us? Can something that once confined us become part of our transformation?
The contrast between fire, birds and frames helped me explore these questions. A frame can protect and restrict; fire can liberate and destroy; a bird can symbolize freedom while remaining vulnerable.
I realized that the Cage does not need to disappear completely for us to become free. Our wounds and inherited stories may remain, but our relationship with them can change.
I wanted the work to hold both the remnants of confinement and the exhilaration of release, allowing destruction and renewal to exist within the same image.
7. Looking ahead, what ideas, themes or new directions are you interested in exploring next?
I find myself increasingly interested in what happens after the Cage. What does freedom look like when escaping is no longer the central question? What do we do with the space that opens up?
I want to continue exploring new mythologies around women, particularly the woman as protector and protagonist, beyond the familiar roles of hero and victim. I am interested in strength that does not require invulnerability, and in love not as rescue, but as the willingness to remain beside someone when neither person can promise to save the other.
Visually, I want to keep exploring fragmentation, materials and the meaning of what remains: an empty frame, a broken mask, the trace of a bird that has already flown away. Sometimes an absence can carry more meaning than a complete image.
I don’t know exactly where the work will lead me, and I like that uncertainty. Perhaps the next chapter is about learning to live without the Cage and discovering, once we are finally free to fly, where we want to go.
Although, I have also bought a collection of imposing Baroque frames that I cannot wait to play with. So perhaps the Cage isn’t quite finished with me yet.
(Fr)
CLIPPED WINGS — Entrevue
Tes peintures réunissent l’imagerie de la bande dessinée et le portrait, créant un dialogue constant entre fiction et réalité. Comment décides-tu quelles images de bandes dessinées intégrer à chacune de tes œuvres ? Puises-tu dans une collection personnelle, et ton processus de sélection est-il lié au portrait lui-même ou à quelque chose d’autre que tu souhaites exprimer ?
J’ai un tiroir rempli de milliers de bandes dessinées. J’ai toujours été attirée par les contradictions qu’elles renferment : la vulnérabilité dissimulée derrière la force, la fragilité des héros et les mythes dont nous héritons sans jamais les remettre en question.
Mes choix commencent souvent par une couleur, une expression ou la tension qui existe entre une image et la femme qui se trouve en dessous. Un symbole de force peut être blessé ; un protecteur peut lui-même avoir besoin d’être protégé. Dans Clipped Wings, certaines de ces images brûlent et disparaissent dans les flammes, devenant les fragments d’une mythologie en train de se déconstruire.
Je vois ces images comme des souvenirs incrustés dans la peau, quelque part entre la fiction et la réalité. Ce qui m’intéresse, c’est ce qui se produit lorsque les histoires avec lesquelles nous avons grandi commencent à révéler quelque chose sur notre propre identité.
Les dualités entre liberté et contrainte sont particulièrement présentes dans Clipped Wings, autant à travers les personnages de tes peintures que dans l’imagerie récurrente des oiseaux. Pourrais-tu nous parler de la façon dont ces thèmes ont évolué dans cette série et de ce que représentent les oiseaux pour toi ?
J’ai toujours trouvé profondément troublant de voir des oiseaux enfermés dans des cages, privés de leur liberté de voler.
Durant mes études collégiales, j’ai découvert le portrait d’Henri Matisse réalisé par Henri Cartier-Bresson, Portrait d’Henri Matisse (Vence, France). Matisse y est assis dans une pièce entouré de cages à oiseaux vides, tandis que des oiseaux se perchent au-dessus de celles-ci. Cette photographie m’a profondément marquée et a influencé l’évolution de mon langage artistique. Les oiseaux n’étaient plus enfermés ; ils existaient au-delà des structures qui les avaient autrefois retenus. Pour moi, cela représentait une forme de liberté absolue.
Cette photographie a éventuellement inspiré le logo que j’ai créé pour mon entreprise et est devenue une référence importante pour Clipped Wings.
Au fil des années, la Cage est passée d’une structure visible à quelque chose de beaucoup plus intérieur : les attentes, les relations, les récits hérités et les images que nous construisons de nous-mêmes.
Dans cette exposition, la Cage se dissout, explose et brûle. Pourtant, le feu porte en lui une contradiction : il libère les femmes en consumant les frontières invisibles qui les ont façonnées, tout en menaçant les oiseaux, symboles de cette liberté à laquelle nous aspirons.
C’est cet espace fragile entre destruction et libération qui m’intéresse. La liberté n’est pas toujours douce, et se libérer ne signifie pas en ressortir indemne. Parfois, cela signifie simplement apprendre à voler avec des ailes abîmées.
Nous aimons particulièrement l’accrochage de type salon dans cette exposition, notamment l’intégration des esquisses et des études d’oiseaux, qui offrent une perspective différente sur ta pratique. Quelle place occupent ces petites œuvres encadrées dans ton processus créatif et qu’est-ce qu’elles te permettent d’explorer différemment de tes grandes peintures ?
Le cadre m’a toujours fascinée, parce qu’il peut à la fois magnifier et emprisonner une image. Il préserve quelque chose de précieux tout en lui imposant des limites. En ce sens, le cadre devient une autre forme de Cage.
Les petites œuvres permettent une expression plus intime d’une idée. Une esquisse ou une étude d’oiseau peut demeurer un fragment, une trace, une possibilité, sans nécessairement devoir devenir une peinture pleinement aboutie.
J’aime placer ces images contemporaines, parfois fragiles, à l’intérieur de cadres anciens et ornementés. Il existe une contradiction dans leur beauté : ils magnifient le sujet tout en le contenant. L’image devient quelque chose de précieux que l’on souhaite préserver, mais aussi quelque chose que l’on enferme.
Dans cet accrochage de type salon, les œuvres entrent en dialogue les unes avec les autres, créant un récit plus vaste à partir de fragments individuels. Les cadres eux-mêmes deviennent partie intégrante de cette narration, questionnant la frontière ténue entre préservation et emprisonnement.
Tu as déjà parlé de déconstruire les récits classiques à travers ton travail. Au-delà des bandes dessinées, quels autres types de médias ont nourri cette réflexion et influencé ton approche de la narration ?
Je suis attirée par les images qui brouillent les frontières entre fiction et réalité, qu’elles proviennent du cinéma, de la photographie, de la peinture, des contes de fées ou des souvenirs d’enfance. Qui veut la peau de Roger Rabbit, où les personnages de dessins animés et les humains habitent un même univers, est un exemple de cette collision.
Je suis tout aussi fascinée par les histoires dissimulées dans les images du quotidien : un geste, une photographie ou une sculpture croisée dans un parc parisien. Parfois, une seule image peut suggérer toute une histoire sans avoir besoin de l’expliquer.
Je m’intéresse également aux histoires que nous nous racontons à propos des femmes. On entend souvent dire que les femmes sont leurs pires ennemies, qu’elles sont en compétition les unes avec les autres ou qu’elles se freinent mutuellement. J’ai envie d’explorer le contraire : la beauté et la force qui émergent lorsque les femmes se soutiennent et s’élèvent les unes les autres.
Dans mon travail, le héros peut tomber, la femme peut devenir celle qui protège et le personnage qui occupait autrefois l’arrière-plan peut prendre le devant de la scène. La force n’a plus besoin de signifier que l’on doit rester seule.
Lorsque le monde brûle, nous devenons le refuge les unes des autres. Certaines tempêtes ne peuvent être arrêtées. Certaines blessures ne peuvent être effacées. Pourtant, nous continuons de nous accrocher.
Peut-être que la force ne réside pas dans la capacité à tout endurer, mais dans le courage de rester sensible et vulnérable dans un monde qui ne cesse de nous briser.
Ta dernière exposition chez nous remontait à 2018, et il est fascinant de constater à quel point ta pratique a évolué depuis. La luminosité de ce nouveau corpus d’œuvres est particulièrement saisissante, notamment dans le jeu entre la lumière et le feu. Qu’est-ce qui a changé dans ton approche au cours des huit dernières années et qu’est-ce qui distingue Clipped Wings de tes travaux précédents ?
Les questions qui alimentent mon travail demeurent les mêmes, mais ma relation avec celles-ci a changé. La Cage est passée d’une structure visible d’enfermement à quelque chose de plus fragmenté et intérieur : les attentes, les souvenirs et les histoires héritées qui façonnent notre identité.
Je suis devenue plus ouverte à laisser différents matériaux et langages visuels entrer en collision, permettant aux œuvres d’exister quelque part entre l’image et l’objet.
Le feu est devenu central dans cette évolution. Il éclaire, détruit et transforme. Dans ces peintures, les flammes consument la Cage qui entoure la femme, et non la femme elle-même.
Ce qui distingue Clipped Wings, c’est son énergie émotionnelle. La vulnérabilité et la douleur sont toujours présentes, mais il y a aussi de l’exaltation, du mouvement et des possibilités. Les femmes ne font plus simplement face à leur enfermement ; elles commencent à imaginer ce qui se trouve au-delà.
Je vois cette exposition comme un nouveau chapitre de la série de la Cage, dans lequel la question ne porte plus seulement sur la façon de s’en échapper, mais sur ce qui devient possible lorsque les structures qui nous ont définis commencent à s’effondrer.
Chaque nouveau corpus d’œuvres apporte son lot de défis. Y a-t-il eu des difficultés particulières ou des moments charnières durant le développement de Clipped Wings et, si oui, comment ont-ils influencé l’orientation du travail et les peintures que nous découvrons aujourd’hui dans l’exposition ?
Le plus grand défi était de trouver une façon d’aller au-delà de la Cage sans abandonner le langage visuel qui a défini ma pratique. Je ne voulais pas répéter l’image d’une femme emprisonnée derrière un masque, ni faire de la liberté quelque chose de trop simple ou de triomphal.
J’ai commencé à me demander ce qui reste lorsque la Cage se désagrège. Les masques disparaissent-ils complètement ou certains fragments continuent-ils de nous accompagner ? Ce qui nous a autrefois enfermés peut-il devenir une partie de notre transformation ?
Le contraste entre le feu, les oiseaux et les cadres m’a permis d’explorer ces questions. Un cadre peut protéger et restreindre ; le feu peut libérer et détruire ; un oiseau peut symboliser la liberté tout en demeurant vulnérable.
J’ai réalisé que la Cage n’a pas besoin de disparaître complètement pour que nous puissions être libres. Nos blessures et les histoires héritées peuvent demeurer, mais notre rapport à celles-ci peut changer.
Je voulais que les œuvres conservent à la fois les vestiges de l’enfermement et l’exaltation de la libération, permettant à la destruction et au renouveau de coexister au sein d’une même image.
Pour la suite, quelles idées, quels thèmes ou quelles nouvelles directions souhaites-tu explorer ?
Je me sens de plus en plus intéressée par ce qui vient après la Cage. À quoi ressemble la liberté lorsque l’évasion n’est plus la question centrale ? Que fait-on de l’espace qui s’ouvre devant nous ?
Je souhaite continuer à explorer de nouvelles mythologies autour des femmes, particulièrement celle de la femme en tant que protectrice et protagoniste, au-delà des rôles familiers de héroïne et de victime. Je m’intéresse à une force qui n’exige pas l’invulnérabilité, et à l’amour non pas comme un sauvetage, mais comme la volonté de rester auprès de quelqu’un alors qu’aucune des deux personnes ne peut promettre de sauver l’autre.
Sur le plan visuel, je souhaite continuer à explorer la fragmentation, les matériaux et la signification de ce qui demeure : un cadre vide, un masque brisé, la trace d’un oiseau qui s’est déjà envolé. Parfois, une absence peut porter davantage de sens qu’une image complète.
Je ne sais pas exactement où ce travail me mènera, et cette incertitude me plaît. Peut-être que le prochain chapitre consistera à apprendre à vivre sans la Cage et à découvrir, une fois que nous serons enfin libres de voler, où nous souhaitons aller.
Cela dit, j’ai aussi acheté toute une collection de cadres baroques imposants avec lesquels j’ai très hâte de m’amuser. Alors peut-être que la Cage n’en a pas tout à fait fini avec moi !